他的作品彷佛用沉默向我们说话，彷佛它们早已存在，或将存在于未来。

初闻宏观与微观世界的缄默，总觉得必然会有几分纳天地于一隅，藏万物于一室的豪情，精妙处巧思张扬，细节处恰到好处。又经历了朋友圈的刷屏，心中，更不免多了许多期待，适逢下午空闲，几人便兴冲冲的直奔卢志荣的展览而去。

空间不算太大，几处四方之所，藏于商场一隅，非专业不得关注到。也是，以卢老师的设计，倘若是不解其意，不通其史，贸然闯入，必然是不得要领的，往往只能观其形，难解其意。

也许是开了一段时间的缘故，观展的人并不多只有三三两两，甚至比工作人员还要少，整个空间显得静谧和祥和，柔和的暖黄的浅色灯光，安心定身的音乐，很难想像，这是一位享誉世界的大师级的展览，却又让人觉得，似乎就应该是这样的。

入口处，设一长廊，悬有卢志荣25年前的画作，据当时的一位恰好碰到的工作人员介绍说，这是当时卢志荣的一个梦，梦中的家具和设计，不遵循设计逻辑，不服从力学原理，与当下甚至人类历史上的所有建筑均有不同，至于是否代表了未来设计的某种趋向，也许只有等待时间和未来的验证了。

我们每个人都会做梦，梦中的一些人和一些事，在时间的流里凋谢、褪色，再不曾被记起，仿佛从来没有出现过。这些梦中的设计，被卢志荣记录下来，成为其设计灵感的来源，卢志荣常说，自己之所以有源源不断的灵感，恰恰是因为将这些随处可见的灵感即时的记录下来。

卢志荣通过自己的雕刻，将画作中的一些物件具象化，置放在同样在一层的一个不易被人察觉的“小黑屋”里。这样的小黑屋里，卢志荣的两件作品被安安静静的摆放在那里，如果不细心的观察，还以为是防止工作用具的房间，很容易被人忽视。如果不是恰好碰到前来参观的工作员的讲解。

讲解员是临时客串的的达美的工作人员，带领合作的附近设计学校的小学生前来参观卢志荣老师的展览，遗憾错过卢志荣老师讲解的我们尾随其后，听了一遍。临了，我们问其中一位小姑娘的感受，她的回答是：“简约，但功能丰富。”

合一

展厅一楼的另一个空间，双层玻璃中间被填充了夹层，使得桌面具备。、幻桌为湖，倒映山水，书是山，镜也是山，暑假是远山，头顶是日月。头顶的灯光并不需要电线，而是采用了一种更为科技的自然光，寓意为太阳。整个的设计，即是宏观世界的缩影，也是微观世界巧思。

“至于设计，如果要我现实一些去下定义的话，就是清除任何妥协痕迹的能力。设计并不只为了维护一个构思，而是让它自由自在地与实现的过程互动，从而演变和达至更深层次的意义与更丰富的展现。解难与调整细节的过程错综复杂，当中无法避免的挑战就是如何使所有元素都编排得洽到好处，包括每种几何、尺寸、比例、颜色、物料、材质、椅子、柜子、壁炉、木材的纹理及其对光的反射、强调的重点、每棵树及其叶子的特色、每片树荫、每道必须面对的障碍、保存的元素与不能 忽视的界限，使它们的参差能在一个整体的建筑呈现中消融、不着痕迹地融合为一。 ”

卢氏的合一，即是宏观世界与微观世界的合一，也是不同设计领域的合一。卢氏的精致作品已自成一格，当中的建筑、景观、室内、家具和物品浑 然一体，均出自他手笔。也许除了Glenn Murcutt 这位建筑师外，没有多少如此成熟的建筑师能够本着这种独处的创作精神，并满足于为了更能掌控作品发展到成型的每一个过程细节，都是处于孤身奋战、废寝忘餐的不断琢磨中。

永恒

“永恒"一直是卢氏醉心的主题，也在他睿智、连贯和细致的作品中获得充份的阐释。在杂志《IDENTITY》最近的访问中，卢氏回忆他面对时间之残酷的看法：

“ 耐用是永恒的一个微小的先决条件，但单纯耐用不等同永恒。永恒是过去、现在和未来完美交融的场域。进入永恒并没有明确的公式，但我们可以通过长期研究和观察去培养出触觉，并且体会设 计从不只为了追求差异或色彩，从而达至永恒。回顾自己二十多年前的设计，可见它们并非一时的流行，而是继续受到追捧，彷佛会永远紧贴我们的生活和时代，而且很可能会比我活得更长久。这或许就是达至永恒的起点。”

对于卢氏作品永恒的特质，耶鲁大学建筑学系丹尼尔• 塞雷尔教授（Daniel Sherer）有以下的见解：“ 卢志荣设计的桌子、椅子、书柜、床、边柜等等，结合了甚少在设计世界中相汇的两个基本方向：精准的精神和物件的诗意。在这一点上，虽然以截然不同的方式呈现，但他设计的家具就如他的雕塑般细致精湛，能减慢感知、影响我们存在的节奏，同时引起共鸣。正因如此，他每件作品都历经严格的构想过程，却又蕴含内敛的抒情风格。”

诗意 文房新语

听得见的旋律甜美，听不见的旋律更是甜上加甜， 美上加美——济慈。

透过一系列新颖的文房器物，卢氏希望与大家分享他在探索旅途上的点点成果，当中包括含义万千的墨砚、充满诗意的水景和花器、谜一般的倒流香座、手工精湛的墨锭、砚滴、纸镇、毛笔、笔 座、笔洗等组合。他以古人之情怀演绎成当代之感悟，又以当代的形式传承着古物之神韵，重新思 考文房器物与当今生活的关联，作品散发着一种含蓄而优雅的历史韵味，以诗的形式向我们阐述一 种不可言喻的灵气、凝聚于方圆之间的情愫。

卢氏的「端溪观石」系列，对砚台的一般用途和理解赋予多元的诠释及耐人寻味的意境，重现端砚固有的朴实和简洁的内涵。他的「石上生花」花器系列，亦让每个砚石花器在这植物王国里酝酿着无限的可能，开启了传统盆栽造景艺术新的理念、传达了我们的理想及对万物的感悟，探究能否创造出一种比大自然更美的美。

唯有诗歌方能与这种作品的地位与美丽匹配，似乎是不言而喻的标准。诗歌当中，又以抒情文体为特能潜入及消除事物、关系与事件、人们的行动、冲突、欲望和他们最基本的感受，抛除人类生存中庸俗的需求和实用价值所带来的压力，拒绝让文学被这样的要求牵制。重点是从每天的纷纷扰扰中重新发掘值得研究的美好事情。

空间的静谧和祥和，以及不期而遇的惊喜与发现，是我们的观展过程中印象尤为深刻的地方。观赏卢志荣的展览，宛如是一场新奇的探索之旅，总能发现一些不一样的地方，而这些不一样的地方，恰恰不是刻意营造，而更多的是为解决问题而设计。简洁家具背后的设计，床头柜的灯光设计，与书房的桌子设计，还有客厅中对于东西方人生活习惯的考量，还有镜子的变化，精巧的化妆盒，转动的储物柜，看似简洁的背后，凝结着设计者的匠心，也是对尺度的精准把握，还有文房用品的精巧，座椅的设计，以匠心之巧，同时满足功能性和美学性。

卢志荣与黑川雅之

每每提到卢志荣，总是忍不住和另外一位日本的设计师黑川雅之进行比较，同样是享誉世界的设计大师，同样是对家具、室内、雕塑等等设计的诸多领域均有所建树的设计师，甚至设计风格也有几分相似的两人，却有着完全不同的人生际遇。出身于建筑世家的黑川雅之，自幼接受良好的设计教育，在建筑的道路上可谓是顺丰顺水。相比之下，幼年家境贫寒的卢志荣，经历美洲求学，又远赴欧洲，虽几经波折，却也终究成就了自己，由此可见，在设计走向深度的过程中，并没有唯一。

无论是卢志荣还是黑川雅之，两位设计大师，都不约而同的从古老的东方文明中汲取智慧和营养，并融入到自己的设计之中。无论是黑川雅孩子生死的哲学、“天地人”的思想，还是对“物”的理解，还是卢志荣的“无用之用”、“诗意”等等。不同的是，相比于黑川雅之的理性，卢志荣的设计中，更多了几分感性。而这，也从其过往人生经历中的选择可见一斑。